La Peluquería es un espacio no formal de exposiciones, un espacio en el que desde cuándo ingresas tienes la sensación de intimidad y que invita al dialogo cercano e interpersonal. En ella exponen Michael Urrea, David Mirete, Al Mefer y Arnau Chilet.

Es un lugar pequeño en el que necesariamente te encuentras de manera directa con las otras personas y te ves prácticamente obligado a establecer un diálogo. En estos momentos hay una exposición que es bastante dinámica, cada vez que se abren las puertas al público durante el tiempo para el que se planeó la exposición, se encuentran con una exposición diferente.

He hablado con Juan F. Navarro, “el peluquero” de la exposición HOW TO WOH. Él nos dice “Los paisajes que nos muestran, humanos y no, incorporan la idea de fabricación y, por tanto, siguen una lógica específica. La primera aproximación a sus fotografías provoca en nosotros un distanciamiento respecto de la realidad que conocemos, que queda en suspenso”.

Manuel Antonio Velandia ¿Por qué esa necesidad de que el montaje sea tan dinámico?

Juan F. Navarro: La Peluquería es un espacio que está al margen de todo y en ella se pueden hacer exposiciones diferentes a las tradicionales, como justo PHOTOALICANTE estaba planeado para 4 semanas entonces pensamos en una colectiva de cuatro autores, lo hicimos en un trabajo conjunto con Lucía Morate. Queríamos que cada semana uno de esos fotógrafos fuera el protagonista.

MAV: ¿Cómo hicieron para seleccionar a esos cuatro artistas?

JFN: Pensamos en cuatro fotógrafos que tuvieran un discurso similar y que además fuera particular y así se complementaran los aportes.

MAV: Aquí el espacio no es enorme como el de otras salas en las que se presentan las expos del Photoalicante; el tamaño del local de La Peluquería le da una característica muy particular a sus exposiciones…

JFN: Tenemos que entender que en este espacio sólo hay dos paredes que suman 7 metros lineales. Por lo tanto, no se puede presentar obra de gran formato, tampoco se puede pensar en un gran volumen de obra, solo es posible hacer una pequeña muestra, de ahí el dinamismo de las exposiciones.

MAV: Viendo las fotografías que ahora están expuestas, siento las obras como un acercamiento a la arquitectura, al paisaje, al territorio de la construcción y también es una aproximación al detalle, desde una mirada no tradicional…

JFN: Lo que une a todos en la obra que se expone es la visión del territorio y de la arquitectura y de cómo el ser humano ha interactuado con el territorio, tanto a la hora de modificarlo como en el momento de introducirse en él y en el paisaje que no necesariamente es arquitectónico.

MAV: La arquitectura es una transformación del espacio desde una perspectiva eminentemente humana, pero encuentro que hay obras en las que hay una mezcla entre ese aporte humano y el que hace de forma autónoma la naturaleza, imbricándose lo natural con lo humano…

JFN: El ser humano ha modificado el entorno de tal manera que la vegetación propia de un sitio ya no la encuentras en ese lugar, sino que hay que irla a buscar a otro espacio, esa parte también está en la exposición.

MAV: El personaje que expone en el momento de la entrevista y frente a cuya obra nos encontramos es David Mirete, él igualmente lanza un libro que es un diseño suyo…

JFN: La propuesta de David es tan arriesgada como el montaje expositivo. Cada uno de los libros es único. Está hecho a mano utilizando técnicas artesanales y el propio contenido cambia en cada ejemplar. Cada uno tiene fotografías que no se encuentran en los demás y por ello ha hecho una tirada limitada.

MAV: Estamos hablando entonces que los libros son piezas únicas… ¿Cómo define el trabajo de cada uno de los artistas y cómo se diferencia el suyo del trabajo de los otros tres fotógrafos que exponen?

JFN: Cada uno tiene una mirada bastante personal del territorio y del paisaje. En sus fotos se aprecia un sentido del humor, siempre se fijan en detalles que muestran elementos que de manera casual han venido conformando una composición surrealista. Es a la vez una mirada irónica.

MAV: La foto de la contra carátula del programa en el que se mostraba todas las actividades de Photoalicante es una foto de Mirete, sin embargo, la imagen aquí expuesta es bastante más clara de lo que vemos a la impresión en papel…

JFN: Al Mefer es otro de los fotógrafos que expone su obra en esta colectiva. La obra de Alejandro es una serie fotográfica que ha sido tomada en Islandia y lo que él hace es recrear el paisaje jugando también con el cromatismo haciendo parecer que el paisaje es como de otro planeta. De hecho, ese vínculo de generación de otros universos qué son terrícolas pero que no lo parecen fue la primera línea que yo traje de los artistas y organizar la exposición.

Al Mefer

Al Mefer

MAV: Los colores que Mefer utiliza en sus fotografías no son los naturales… Él tiene un manejo del color que precisamente rompe con la naturalidad…

JFN: Todas las fotografías de Al están tratadas con Photoshop. Recordemos que la fotografía es una manera de contar mentiras.

Arnau Chilet es el más joven de los cuatro autores, tiene 21 años recién cumplidos; lo descubrí por Instagram y fue el primero en el que pensé para montar la exposición, sus fotografías son muy frescas en el sentido de la composición y la creación. Su obra parece una continuidad de la obra de Alejandro, pero Arnau introducen al ser humano; con el personaje surge el misterio…

Arnau Chilet

Arnau Chilet

MAV: Arnau también introduce al ser humano en sus fotografías, pero es un sujeto mínimo perdido en grandes espacios… Las obras de Michael Urrea son muy clásicas a pesar de su juventud…

JFN: Él viene del mundo del diseño gráfico y está interesado en la arquitectura y en el modo en que el ser humano se relaciona con ésta. Sí. Está especialmente interesado en espacios arquitectónicos, arquitectura modifica el espacio y el ser humano se introduce en esos espacios. En su fotografía se mezclan sus dos principales intereses qué son la arquitectura y el diseño. Muchas veces las imágenes están situadas en espacios que intuimos, pero que no reconocemos.

Michael Urrea

Michael Urrea

MAV: Está exposición también tiene un nombre bastante sonoro y sobre todo muy visual. Yo siento que el nombre y la manera como se ha construido visualmente es casi como una ruptura con la misma exposición…

JFN: Se llama HOW TO WOH, y su diseño también es muy simétrico.  Este no iba a ser el título de la exposición. Es un título que no significa nada y precisamente también puede significar todo. La manera de construir el título fue por simetría, es un palíndromo. Utilizamos la verticalidad para que una parte sea la imagen especular de la otra. Lo puedes ver al revés y queda igual, pero esa simetría también está presente en la obra de los cuatro fotógrafos porque la simetría la utilizan clarísimamente, a la hora de componer. En HOW TO WOH se nos da el agua y se nos muestra el pozo.

MAV: ¿Hasta cuándo está planificado el cierre de esta exposición?

JFN: Hasta el 28 de abril que es el primer aniversario de la peluquería, vamos a tener el cierre de la exposición. Tendremos también una pequeña fiesta que va a tener su importancia porque se cierra una primera etapa de La Peluquería y además, ese día voy a desvelar cuál es la verdadera naturaleza de este proyecto, algo que muchos intuyen, pero que por mi parte nunca ha sido explícito.

Mediante visitas guiadas se puede apreciar la exposición, el aforo máximo es de 15 personas. Para asistir a La Peluquería hay que inscribirse previamente, puede hacerlo utilizando el email lapeluqueria.art@gmail.com. También puedes contactar a través de su Facebook o Instagram

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