Cinco artistas presentan cinco proyectos análogos, pero en paralelo y que exploran los postulados de sus investigaciones más inmediatas. Cinco propuestas expositivas diferentes e individuales, que abordan la investigación y el quehacer artístico desde diferentes métodos de producción y que surge como resultado de la investigación, análisis y experimentación, tanto de la materia como de los varios procedimientos y procesos utilizados en la creación artística.

Cada una de estas personales poéticas sintetiza el sentido íntimo y profundo del arte. Aquello que no se puede tocar, casi imposible de definir, pero que expresa de manera singular los sentimientos y emociones humanas, a veces desde la sutilidad, otras desde el compromiso y siempre desde el misterio. Fragmentos, materia, cuerpos y mitos muestran que la ausencia se materializa en sutiles sombras, en la huella que dejan las diferentes obras. Los resultados, se configuran como una reflexión del universo personal de cada uno-a de los-as artistas.

La exposición se realiza en Centre Ovidi Monllor de la ciudad de Alcoy del 5 de febrero al 29 de marzo en horario de 18 a 21 horas.

 

Alissia (María Penalva), plantea un análisis y adaptación de diferentes mitologías femeninas en un contexto contemporáneo prescindiendo de su raíz peyorativa. Mediante el bordado, los hilos, el poder expresivo de la línea o la creación desde la arcilla o la madera intenta reflejar que las mujeres no son buenas o malas, sino, en esencia, personas, en una dirección mucho más intangible, amplia y coherente con nuestro tiempo. Reinterpreta y reelabora, con un lenguaje artístico propio, una nueva simbología de arquetipos, deidades y trilogías femeninas integrándolas en varias figuras mitológicas y paisajes existentes heredados de la sociedad heteropatriarcal, y los plasma en una nueva creación artística reivindicativa de la esencia de cada persona, reivindicando el intangible de la misma y la ausencia de hashtags heredados por cuestiones de género o sexo.

 

En la obra de Juan Fco. Martínez Gómez de Albacete, podríamos hablar que el fragmento es elevado a obra donde el deseo por el que no existe, el anhelo del que se ausente, puede estimular nuestra imaginación y la inteligencia reconstructora, potenciando la esencia de un todo ahora incompleto, pero infinito en posibilidades estéticas. Posibilidades que transitan por un cuerpo indeterminado y donde toda identidad y singularidad se caracteriza precisamente para no ser más que un fragmento de un atlas inacabado, infinito, de juegos de homogeneidades y heterogeneidades.

 

Imma Mengual, conceptualiza y genera su obra cruzando continuamente la delgada línea espacio-temporal de la normalidad-anormalidad, atrayendo sus discursos hacia los límites normativos que impone la sociedad (desde la microsocietat familiar hasta el macro- cosmos social). Una línea difusa, cambiante y convencional que deja fuera de sus límites a quienes no acata sus normas. Mengual presenta aquí una obra que se expresa a través de los procesos que lo originan como analogía de la construcción del yo-género, desplazando sinestèsicament el ser y el sentir de la identidad de género a huesos, algunos de ellos sobre lienzos invertidos.

 

David Vila, centra su estudio sobre el cuerpo y sus distintos procesos de evolución. Utilizando varias estrategias y materiales sobre los cuales destaca el metal fuera, genera su obra con el cuerpo como principal protagonista conceptual y material. De esta manera nos invita a la reflexión hacia el propio ser contemporáneo y la busca de identidad, utilizando recursos centrados en el ámbito escultórico, pero abordando otras disciplinas como la instalación y la performance. Su universo plástico personal aborda la expresión de las pulsiones humanas más intimas, acercando al espectador a las zonas más ocultas del ser. Un ser vive, en constante regeneración.

 

M.ª José Zanón, encamina su propuesta hacia una exploración y análisis de las distintas calidades expresivas que poseen los materiales al ser manipulados por medio de distintos procesos técnicos. Todo un delicado trabajo de laboratorio llevado a cabo para así ofrecer en cada una de sus obras las calidades sensibles de los materiales y mostrárnoslos más vulnerables y expresivos. De la abstracción, entre el simbólico y la realidad, se mueven las esculturas de M.ª José Zanón, obras que por medio de formas netas, sencillas pero sólidas, murmuran sutiles historias que a veces gritan, a veces suspiran, y otras dialogan con el espectador, estremidors relatos que solo se perciben con los sentidos, y que, siempre, transmiten emociones.

María Marco

Doctora en Historia del Arte.

Técnica Superior de Arte, Sede ciudad de Alicante