INVERSIÓN MATRICIAL, una exposición de Alberto Santonja para dar la vuelta, para volver al origen

 

Alberto Santonja es un niño de los grandes. Ha sido seleccionado por el IAC Juan Gil Albert  para el proyecto expositivo “Arte en la Casa Bardín” que podréis visitar hasta el 21 de septiembre en la sede.

Desde niño hasta la actualidad sigue construyendo cosas con sus manos. Antes le gustaba mucho las muñecas, trabajar con ellas, ahora las construye aunque les llama Damas.

Aparentemente tenía una dualidad, que ya ha resuelto desde la reflexión íntima, entre el Arte y el Diseño, y cuando observas y participas de su obra expuesta te permites tener la vibración de querer jugar como hace él: montar y desmontar.

Su vida actual es un triángulo territorial: Alicante –  Valencia  – Ibi, por distintas razones que conviven. Vidas y espacios que son distintos pero que construyen en este momento todos sus vínculos. Por tanto, ahora es un gusto tenerlo en el sur, contando sus logros artísticos que emprendió en 2006 en aquella que fue su nueva etapa.

Su exposición, Inversión Matricial, es una muestra para ver a solas, para estudiar todo lo que el ya ha investigado-diseñado o para ver con vuestros pequeños, si los tenéis, porque se van a sentir como en casa, en un juego, insisto.

Él, nos cuenta todas sus cosas, poco a poco….

Pregunta: ¿Qué significa para vosotros haber sido seleccionados en la convocatoria de Arte en la Casa Bardín del IAC Juan Gil Albert 2018-19?

R: No me gusta exponer, off the record, cuesta mucho dinero, ser artista requiere de inversión económica. De un año a esta parte, he considerado que la visibilidad para mi es importante, donde las miras están mejor apuntadas, encontrando mi propio estilo donde ya puedo considerar que soy escultor después de 10 años.

El proyecto del Gil Albert ha sido un antes y un después donde creo que empieza una nueva etapa en la que preveo cambios. En la actualidad, por ejemplo, estoy preparando la escénica de una opera “Los Cuentos de Hoffmann” que dirigirá Daniel Abad Casanova y donde el trabajo realizado en esta exposición es aprovechable.

P: De las maquetas de motos de niño a las maquetas artísticas de 2018, ¿no?

R: Toda una vida dedicada a construir cosas con las manos. Por mi trabajo, me gusta tocar las cosas, trabajar los materiales con las manos, las temperaturas, las texturas. Desde niño hasta la actualidad sigo sintiendo igual.

P: En la carrera hiciste la especialidad de dibujo en Bellas Artes pero ahora eres más escultor.

R: Hice Bellas Artes aunque tenía muchas dudas de qué estudiar. Tuve conversaciones con profesores del departamento de diseño, y como nunca quise ser artistas empecé a presentarme a concurso de diseño, diseño industrial: juguetes, muebles, etc…

P: Enseñas a tus alumnos y alumnas a hacer maquetas y prototipos.

R: Yo soy autodidacta, ensayo / error. Yo publiqué dos libros de moldes y prototipos por la editorial de la Universidad Politécnica de Valencia, investigué. En la actualidad he ayudado a mi alumnado a que se conviertan en emprendedores del sector. Mi trato con ellos y ellas es muy directo dado que hay mucho trabajo de taller y donde se despierta la confianza enseguida. Yo también consigo aprender mucho de la formación. Te proponen retos y es muy motivador poderles dar medios y soluciones para conseguir el objetivo que plantea el alumnado.

P: ¿Qué pretendéis querer decirnos bajo el concepto INVERSIÓN MATRICIAL: decís que es una invitación a la observación y la reflexión pero también a la diversión?

R: Inversión es dar la vuelta, de volver al origen y luego trasladarlo al mundo del arte. Matricial es un concepto industrial originario que expresa la primera obra. Además, añado, el arte ibérico está implícito: por ser de  Ibi empezaron a llamarme Íbero que no Ibense. Dado que me gustaba el arte tribal, prehistórico, primitivo, empecé a imaginarme que en mi pueblo había arte íbero, aunque no se ha descubierto porque no han investigado o invertido. Mi inspiración fue la Dama de Elche, el Guerrer de Moixent del poblado íbero de la Bastida de les ALCUSSES, la falcata que realizo en materiales del siglo XXI, utilizando como modelos los clicks de Famobil. Todo parte, curiosamente, de la fábula de pensar que Ibi es muy Íbero.

P: ¿Por qué ese incentivo de Hazlo tu mismo (Do it yourself)? Porque el arte tiene que ser accesible en su producción para todos.

R: Hay un concepto que sumo a esto. Ahora es muy cercano por el método IKEA, acercando el arte al ciudadano de a pie con este simil. Quiero esta estantería y me la monto yo. Quiero esta obra y la construyo. He pensado hacer una obra por fascículos que la gente compra periódicamente. Para mi es importante aplicarlo al sector de los niños para conectar la infancia dado que esto es el futuro. Es decir, acercar el arte a nivel económico, donde el factor escala tiene un factor importante en mi obra: de algo grande, una obra, lo escalamos en pequeño para todos.

P: Qué significa para ti y para tu obra el gran Mazinger Zeta del dibujante y guionista japonés Gō Nagai. Incluso el Toro Z en tu exposición.

R: Mazinger Z es un robot frente a los dibujos de Heidi de la época, El planteamiento es que en 1975 este dibujo impactó porque no estábamos acostumbrados y nos marco mucho. Es un guiño a mi infancia. Yo cuando era pequeño pedí en reyes una muñeca, cuestión que era raro. Las muñecas siempre me han gustado, son juguetes, y yo simplemente juego con mis obras.

P: Como eres de la zona, te viene al pelo ser de Ibi/Onil, por tu trabajo profesional y artístico actual. Te manejas en lo que tu comisario lo llama lenguaje industrial del sector juguetero

R: Me ha influido mucho en mi arte, mi propio entorno. Lo que más me gusta caracterizar es al ser humano: recuerdo en la cocina de mi madre cuando la ayudaba en casa como los humanos y los conejos somos iguales aunque con dimensiones distintas. Demuestra mi gusto por la anatomía.

Esta semana, además, la revista Autopista me han publicado una doble página presentado fotográficamente mi trabajo bajo el título “No solo profesores”.

P: Explícanos la serie Damas: de dónde partes a dónde vas: Dama del Juguete o F1, Dama de la Moto, Dama del Dakar y poco más escondida para mí la Dama que ríe.

R: El origen de estas obras es como debía resolver captar la atención de personas que patrocinaran la producción de estas obras en 2006 y que luego pude a exponer en una galería introducida de Marbella llamada ART WANSON GALLERY. Arte con chatarra lo hacen muchos artistas pero con piezas carísimas de Fórmula 1 no es habitual, tanta exclusividad. Y son damas porque me gustan las muñecas de cuando yo era niño.

En esta línea, a Jorge Martinez Aspar (ASPAR-ART) le propuse utilizar piezas de moto para poder acceder a la creación de nuevas obras que incluyera un certificado de autenticidad que demostrara que la pieza de la moto había participado en determinados campeonatos. Era una forma de captar la atención de aficionados al motociclismo para que se acercaran al arte.

Por las sinergias, el tercer proyecto (PART-DECÓ) que intentamos era una adaptación de vehículos a mobiliario donde potencialmente el interesado elegía el modelo de coche y yo lo diseñaba y una empresa lo construía o adaptaba. Llegamos a producir un Mini Scriptorium y la adaptación de un Peugeot 402. Fue una inciaitiva que se quedó en stanby.

P: A Santonja le va la política o al menos la crítica social. Con la propuesta que planteas en la exposición “Comunidad Valenciana, El juego ha terminado” qué  quieres contar realmente a la gente.

R: En la obra la valla es azul que no es casual, donde aparece una Comunitat roída por un comecocos en forma de paella, como elemento símbolo valenciano tradicional. La obra representa una foto del deterioro institucional provocado por la clase política que han deteriorado nuestro futuro. Como perdieron las elecciones era por tanto necesario señalar “El juego ha terminado”. Si hubieran vuelto a ganar las elecciones se hubiera denominado “Insert coin. El juego continua”.

Es, en definitiva, una crítica al despropósito de la Comunitat Valenciana que ahora estamos pagando el pato.

La televisión tiene su papel en este juego dado que estamos condicionados a sus imágenes en todos los sentidos. Es un comecocos, como represento en una obra de la exposición. En los países, por ejemplo, empobrecidos en barrios modestos, todos tienen una parábólica. Esto demuestra el dominio de este medio de comunicación.

P: También la pieza de tarjetas de crédito:  “In-crédito. They did themselves (ellos mismos).

R: Yo he vivido por cuestiones familiares en muchos sitios de España. Todas las tarjetas son del Banco Popular y como yo creo que este Banco ha traicionado a las personas que han trabajado, como mi padre, he necesitado trabajarlo en una obra.  Creo que han hecho una triquiñuela para hundirlo. La situación, no me la puedo creer, no es entendible.

También incluyo otra pieza con tarjetas de Galerías Preciados, empresa que expropió por lo de Rumasa el gobierno socialista de turno.

P: Te manejas en tres frentes: el Arte, el Diseño y añado la artesanía de corte industrial.  ¿es una contradicción o un contrasentido?

R: Al principio pensé que era errático. Por una pequeña lesión que tengo de una hernia discal, por el reposo, empecé a escribir mis memorias analizando cómo ha influido todo en mi vida de creador. Todas mis pasiones, el diseño, la creatividad, la plastilina, el motor, han confluido y ha ido fluyendo donde ya no puedo poner una línea divisoria de estas disciplinas.